От Щукина до Фаберже. «Культура» о самых интересных выставках сентября

Материал опубликован в №8 печатной версии газеты «Культура» от 29 августа 2024 года.

После летней неги выставочный сезон только набирает обороты, однако у любителей искусства уже немало поводов отправиться в путешествие от Москвы до Владивостока.

1. «ВОСТОЧНЫЙ МУЗЕЙ ПЕТРА ЩУКИНА»

Москва, Государственный музей Востока. С 4 сентября по 17 ноября

Щукины — знаменитые коллекционеры, не раз попадавшие в фокус внимания исследователей. Пять лет назад в рамках проекта «Щукин. Биография коллекции» в Пушкинском музее собрания четырех братьев, рассеянные по разным музеям, были впервые представлены вместе. Впрочем, белых пятен по-прежнему остается немало, и в этом смысле очень своевременным кажется проект Музея Востока, рассказывающий о восточных предметах из коллекции Петра Щукина. Петр Иванович обладал широким вкусом: в его коллекции были персидские ковры и старинные французские книги, изделия японских мастеров и памятники отечественной истории. Более того: он построил Музей российских древностей (где, впрочем, хранились и восточные экспонаты), ставший впоследствии — благодаря щедрому дару Щукина — отделением императорского Российского исторического музея. После революции часть восточного собрания передали Музею восточных культур — современному Музею Востока. Нынешняя выставка обещает стать своеобразной реконструкцией этой области интересов Петра Ивановича. В экспозиции будет представлено более 200 предметов, в том числе ковры и ткани (Щукин в молодости работал на ткацкой фабрике в Лионе, изучал производство шелковых тканей), вышивки, мебель, металл, камень и лаки Ирана, Индии, Турции, Японии и Китая.

2. «АДЕПТЫ КРАСНОГО. МАЛЯВИН И АРХИПОВ»

Москва, Государственная Третьяковская галерея. С 20 сентября по 16 февраля 2025 года

У Филиппа Малявина и Абрама Архипова, на первый взгляд, немало общего. Жившие в одно время (Архипов был чуть старше), оба были выходцами из крестьянской среды и первые уроки брали у иконописцев. Правда, жизненный путь Малявина оказался более причудливым: еще подростком он попал на Афон, в монастырь святого Пантелеймона, где его заметил скульптор Владимир Беклемишев. Оценив таланты молодого послушника, мастер убедил его поехать в Петербург и профессионально учиться живописи в Императорской академии художеств. Кстати, там же на 10 лет раньше оттачивал мастерство и Абрам Архипов. Оба художника уделяли большое внимание красному цвету, а также черпали вдохновение в народной среде. Главные героини их картин — крестьянки в пламенеюще-красных платках и сарафанах. Обращение к корням было типично для рубежа XIX–XX веков — недаром тогда возник национальный извод модерна, а высшая аристократия нарядилась на знаменитый Русский бал в костюмы допетровской эпохи. Красный цвет считался традиционным для крестьянской одежды, однако в переломное время он получил новые коннотации и стал символом пламени революции, сметавшей все на своем пути. Несмотря на точки соприкосновения, судьба мастеров сложилась по-разному: Малявин уехал во Францию и окончил свои дни в Ницце, Архипов остался в России. В живописи каждый тоже шел своим путем: Филипп Малявин создал авторский извод экспрессионизма, Архипов сохранил более тесную связь с импрессионизмом. Выставка в Третьяковке обещает обозначить эти сходства и различия. Она будет выстроена по принципу монографических экспозиций — то есть двух частей, каждую из которых целиком посвятят одному художнику.

3. «ТАЛАНТ ТРАГИЧЕСКОЙ СУДЬБЫ. К 200-ЛЕТИЮ СО ДНЯ РОЖДЕНИЯ ГРИГОРИЯ ВАСИЛЬЕВИЧА СОРОКИ»

Санкт-Петербург, Государственный Русский музей. До 4 ноября

Григория Сороку называют последним крепостным художником: родившийся в 1823 году, он застал отмену крепостного права, однако по ряду обстоятельств не смог воспользоваться открывшимися возможностями. При этом о вольной он, скорее всего, мечтал всю сознательную жизнь. Его хозяевами были дворяне Милюковы: Николай Петрович Милюков рано распознал талант Сороки и отправил его учиться к самому Алексею Венецианову — одному из родоначальников русской живописи. Тот высоко оценил способности молодого человека и впоследствии не раз хлопотал о его освобождении, однако так ничего и не добился. Милюков определил Сороку садовником, и тот в статусе крепостного написал свои лучшие вещи, заложившие основы русского пейзажа. Манифест 1861 года не принес мира душе художника: начались долгие тяжбы с бывшим хозяином, и в конце концов «за сделанные грубости и ложные слухи» Сороку приговорили к трехдневному аресту. И хотя все-таки отпустили по болезни, талантливый художник не вынес унижения и покончил с собой. Его имя было надолго забыто и вновь зазвучало лишь в начале XX века, однако широкой публике он стал известен после выставки в Русском музее в 1975 году. С тех пор музей не устраивал «персоналок» Сороки: нынешняя экспозиция — первая за 50 лет. Здесь можно увидеть его живописные работы, а также единственный альбом с графическими набросками — изображениями людей, окружавших молодого художника в усадьбе Николая Милюкова «Островки», вроде поваров и столяров. Кроме того, на выставке представлены работы учеников Венецианова — например, Михаила Эрасси и Лавра Плахова, которых Сорока, по словам самого наставника, перерос очень быстро, буквально за несколько месяцев обучения.

4. «О.Н.И. ФОТОЭКСПЕРИМЕНТЫ НОВОЙ АКАДЕМИИ ИЗЯЩНЫХ ИСКУССТВ ТИМУРА НОВИКОВА»

Санкт-Петербург, Музейно-выставочный центр «Росфото». До 4 ноября

Новая академия изящных искусств Тимура Новикова была эстетским проектом. Вокруг бурлила современная жизнь, отечественные художники перенимали практики зарубежного концептуального искусства, а Тимур со товарищи упорно следовали «устаревшим» представлениям о красоте и гармонии. Этот бунт в духе прерафаэлитов имел и технологическую основу: в рамках специально созданного научного отдела Новой академии художники занимались возрождением старинных техник фотографической печати. Например, таких экзотических, как гуммипигментная печать (с использованием акварельной краски) или серебряные способы печати, для которых они самостоятельно изготавливали бумагу. Кроме того, создавали эмульсии, а еще пробовали различные методы печати: на металле, ткани, дереве, камне. В эпоху массовой пленочной фотографии и уже зарождавшейся цифровой подобные эксперименты выглядели смело и необычно. В работах Дениса Егельского, Стаса Макарова, Андрея Медведева, Егора Острова и самого Тимура Новикова можно увидеть образы, рожденные на стыке фотографии и живописи. Главный герой здесь, конечно, Петербург: город, воплотивший в себе пышность барокко и строгость классицизма и ставший идеальным прибежищем для бунтарей-«неоакадемистов».

5. «ЭПОХА ФАБЕРЖЕ. ЗОЛОТОЙ ВЕК РУССКОГО ЮВЕЛИРНОГО ИСКУССТВА»

Владивосток, Государственный объединенный музей-заповедник истории Дальнего Востока имени В.К. Арсеньева. С 4 сентября по 12 января 2025 года

Музеи Московского Кремля не первый раз показывают свои сокровища в Музее истории Дальнего Востока имени В.К. Арсеньева: нынешняя выставка станет шестой и, пожалуй, самой грандиозной. Зрители увидят три пасхальных яйца, созданных главным ювелиром фирмы Карла Фаберже по заказу императора Николая II для императрицы Александры Федоровны (в фондах Музеев Московского Кремля хранится десять пасхальных яиц Фаберже). Традиция подобных подарков появилась еще при Александре III: он первым сделал заказ для своей супруги. Именно в годы его царствования Карл Фаберже получил звание поставщика двора Его Императорского Величества. Впрочем, на выставке, включающей в себя более 300 произведений, можно будет увидеть не только шедевры Фаберже, но и работы других знаменитых поставщиков Высочайшего Двора: Хлебникова, Овчинникова, братьев Грачевых. Представят и вещи, предназначавшиеся для более широкого круга покупателей: ювелирные украшения, аксессуары, столовую утварь и предметы быта. Погрузиться в эпоху рубежа веков помогут коронационные предметы, а также образцы костюма историзма и модерна. Ну а произведения советских и современных российских мастеров, в свою очередь, наглядно покажут развитие традиций ювелирного дела.

6. «ОТ УТОПИИ К ТЕАТРУ»

Москва, Центр «Зотов». С 6 сентября по 19 января 2025 года

Центр «Зотов» уже представил ряд амбициозных проектов, посвященных конструктивизму: нынешняя выставка, подготовленная совместно с Бахрушинским музеем, расскажет о режиссере Всеволоде Мейерхольде, точнее, о его авторском методе, коренным образом изменившем язык театра. Впрочем, искусством это воздействие не ограничивалось: новаторские концепции Мейерхольда — например, биомеханика — выплеснулись за пределы подмостков и повлияли на быт и облик советского человека. Идея биомеханики противостояла методу Станиславского: по мысли последнего, актер должен был идти к роли изнутри, от переживания. Мейерхольд же настаивал на обратном: нужно идти от движения к переживанию — иначе говоря, физиология обусловливается психологическим состоянием. Воплощать эти концепции в жизнь ему помогали известные художницы Варвара Степанова и Любовь Попова, придумавшие, например, прозодежду — рабочую одежду для нового человека. На выставке можно будет увидеть созданные ими эскизы к спектаклям Мейерхольда. А еще — фотографии сцен, рисунки-чертежи, негативы рукотворных титров, афиши, реконструкции и эскизы костюмов. В целом экспозиция будет охватывать пять постановок 1922–1924 годов: «Великодушный рогоносец», «Смерть Тарелкина», «Земля дыбом», «Д.Е.» и «Лес». Включающая в себя 270 предметов, она приурочена к 150-летию со дня рождения выдающегося режиссера.

7. «ПАРК КУЛЬТУРЫ И ОТДЫХА ЛЕНИ И СЕРЕЖИ»

Москва, галерея Artstory. С 19 сентября по 10 ноября

Галерея Artstory, отмечающая в этом году десятилетие, продолжает череду праздничных проектов. Новая выставка представит работы двух художников, мечтавших о совместном показе, но не успевших воплотить идею в жизнь: одного из них, Леонида Пурыгина не стало в 1995 году. Пурыгин был создателем особой вселенной — странной, даже сюрреалистической, населенной диковинными персонажами: например, полулюдьми-полуптицами. Кто-то сравнивал его трехчастные складни с произведениями Босха, другие говорили о традиции ар брют, которой наследовал российский художник. Как бы то ни было, «гений из Нары», как называл себя Пурыгин (а он родился в Наро-Фоминске), создавал узнаваемые с первого взгляда вещи, но при этом держался в стороне от мейнстрима, выбирая позицию арт-аутсайдера. Сергей Горшков тоже всегда шел своим путем: художник, скульптор, книжный график, арт-директор галереи современного искусства «Х.Л.А.М» (то есть — Художники, Литераторы, Артисты, Музыканты). В его деревянных скульптурах можно обнаружить отсылки к народному искусству и эстетике примитивизма: например, «Ангелы» заставляют вспомнить пермских деревянных богов. Специально для выставки мастер подготовил несколько новых вещей: всего покажут 100 скульптур Горшкова и около 20 работ Пурыгина. И хочется увидеть, какой причудливый универсум создадут эти необычные произведения, оказавшиеся наконец рядом.

8. «ВЕСТЬ»

Санкт-Петербург, Государственный Русский музей. До 2 декабря

Проект, объединивший произведения разных эпох — от древнерусских икон до сайнс-арта, — посвящен теме, актуальной на протяжении тысячелетий, но особенно громко зазвучавшей в XX веке после появления кибернетики. От Благой Вести к современной передаче информации: так, наверное, можно было бы обозначить идею проекта, включающего в себя около 300 произведений. Проблема коммуникации, понимания друг друга, возникающих при этом искажений, а также передача ложных сведений — все это на протяжении веков привлекало внимание художников. На выставке можно увидеть произведения классиков: например, знаменитое полотно Ильи Репина «Запорожцы пишут письмо турецкому султану», а также творения Ореста Кипренского, Ивана Айвазовского. Представлены и работы современных авторов, рефлексирующих по поводу гаджетов вроде телефона и телевизора и, конечно, по поводу быстрого устаревания техники. Имена современников тоже достойные: от Петра Белого и Аллы Урбан до Андрея Бартенева и группы Recycle — причем некоторые вещи были созданы художниками специально для выставки.

На фотографиях: Г. Сорока «Вид на плотину в усадьбе Спасское Тамбовской губернии». 1840 г, фото предоставлено пресс-службой Государственного Русского музея. На анонсе: из альбома театральных гравюр художников школы Утагава. Вторая половина XIX в., представлено пресс-службой Государственного музея Востока.